O Adeus a Moraes Moreira

A música "Brasil Pandeiro"
é da década de quarenta, composta por Assis Valente. Os Novos Baianos eternizaram com uma versão definitiva no início dos anos 70.
Começava ali, a minha admiração por Moraes Moreira. Incontáveis as vezes que toquei essa música.
Moraes se foi nas asas do seu também eterno "Pombo Correio", as  lembranças dos momentos marcantes ficam.

A história da música "Onde Andarás", de Caetano Veloso e Ferreira Gullar.

1Em 1968, Caetano Veloso lançou seu primeiro LP individual. A obra, por revolucionária, iria se transformar numa das mais importantes da história da MPB. No disco surgiria a primeira menção ao termo “Tropicália” como referência musical do movimento que iria abalar as estruturas da MPB – o tropicalismo. O neologismo Tropicália foi criado por Hélio Oiticica, não para o movimento musical, mas para denominar a instalação que montara para uma exposição no Rio de janeiro, em 1967. Depois, por sugestão do cineasta Luiz Carlos Barreto, Caetano, até com certo receio, deu o nome à música, dando o mote ao nome do antológico movimento. A história é por demais conhecida e é contada em vários livros sobre a MPB, motivo pelo qual não irei me estender.

O foco do post é uma música componente desse antológico disco de tantos fatos curiosos. “Onde andarás” é uma parceria do compositor baiano com o poeta Ferreira Gullar que sequer tinha relacionamento com Caetano. A letra, na verdade, foi feita a pedido de Maria Bethânia que desejava um tema ligado a dor de cotovelo para gravar no seu disco de estreia. O imortal escreveu dois textos, Bethânia repassou  para seu irmão Caetano que, no entanto, musicou apenas um deles. Em uma entrevista dada ao Jornal CINFORM, de Aracaju, Gullar teorizar, que do segundo texto não aproveitado, Caetano teria se inspirado para compor alguns argumentos para “Alegria, alegria”, música que iria entrar para história da MPB. Veja um trecho da entrevista.

"Cinform – Você foi parceiro de Caetano Veloso com o poema "Onde Andarás", que faz parte do seu primeiro LP individual prensado em 1968. Em que circunstância ocorreu a parceria e por que não houve continuidade como a estabelecida com Raimundo Fagner com quem tem vários poemas musicados: Traduzir-se; Me Leve – cantiga para não morrer; Rainha da vida. Contigo e outras?
Ferreira Gullar – Essa parceria não nasceu de uma relação minha com Caetano. Foi a Maria Bethânia que me pediu, se eu gostaria de escrever para ela duas letras de fossa, de dor-de-cotovelo que ela queria gravar no seu disco de estreia. Então fiz e entreguei a ela duas letras, uma é "Onde Andarás" e a outra é um poema que também é do mesmo livro, que eu adaptei para servir como letra, porque como poema era muito longo. Mas Caetano só musicou uma delas, o outro poema eu acho que inspirou "Alegria Alegria", porque fala "atravessa a rua, entra no cinema" é um poema urbano, que fala exatamente da cidade e o enfoque é o mesmo e o fato dele não ter posto música na minha letra e ter escrito "Alegria Alegria" dá a impressão de que ele achou melhor criar uma letra sobre aquele assunto. Existe na música "Alegria Alegria" uma expressão que é de um poema meu "o sol se reparte em crimes" isso é de um poema que diz assim: "A tarde se reparte em yorgut, coalhada, copos de leites" esse uso do verbo repartir nesse sentido é do poema "Na Leiteiria". "A tarde se reparte em copos de leite", "o sol se reparte em crimes/espaçonaves guerrilhas". Tudo bem, a função da poesia é essa, o poeta inventa as expressões e o artista popular, o compositor não tem essa função - é muito mais a de comunicar de maneira ampla com o público, não é de mudar a linguagem, de reinventar a linguagem isso é mais dos poetas [...].

Outro fato curioso na gravação de “Onde Andarás”  é Caetano, em um trecho da música, cantando com a voz impostada, numa caricata tentativa de imitar o estilo de grandes cantores da velha guarda como Orlando Silva e Nelson Gonçalves. Apesar da sua beleza, “Onde andarás"” não se tornaria um grande sucesso, mas caiu no gosto de conhecidas cantoras brasileiras. Além da própria Maria Bethânia, Marisa Monte, Joanna, Gal Costa e Adriana Calcanhoto gravaram a música. Ouça a roupagem de cada uma delas e confira o estilo inusitado de Caetano. Escolha a sua melhor versão.

Maria Bethânia


Marisa Monte


Adriana Calcanhoto


Joanna e Gal Costa


Caetano Veloso


Letra:

Onde andarás nesta tarde vazia
Tão clara e sem fim
Enquanto o mar bate azul em Ipanema
Em que bar, em que cinema te esqueces de mim
Enquanto o mar bate azul em Ipanema
Em que bar, em que cinema te esqueces…
Eu sei, meu endereço apagaste do teu coração
A cigarra do apartamento
O chão de cimento existem em vão
Não serve pra nada a escada, o elevador
Já não serve pra nada a janela
A cortina amarela, perdi meu amor
E é por isso que eu saio pra rua
Sem saber pra quê
Na esperança talvez de que o acaso
Por mero descaso me leve a você
Na esperança talvez de que o acaso
Por mero descaso
Me leve... eu sei.

 

Belos Poemas Que Viraram Músicas. "Bom dia Tristeza".

No final da década de 1950, uma parceria improvável na música brasileira resultou em uma memorável obra. Vinícius de Moraes sequer conhecia Adoniran Barbosa, mas um desses felizes acasos da vida iria nos presentear com “Bom dia tristeza”, uma bela música interpretada por grandes nomes da MPB, como Maysa, Chico Buarque, Elis Regina, Altemar Dutra, Aracy de Almeida,Roberto Ribeiro, Jair Rodrigues, Elizeth Cardoso, dentre tantos outros.

Os versos foram escritos pelo poetinha a pedido de Aracy de Almeida, em 1957. Há, contudo, diversas versões para a gênese da poesia. Uns afirmam que teria sido escrita em Paris, outros dizem que foi em um bar, no Rio de Janeiro, o texto teria sido em um guardanapo. Todos afirmam, entretanto, que a letra foi entregue a Aracy, após o poeta ter dito que ela fizesse o que quisesse com o poema. O certo é que Aracy entregou a obra para Adoniran Barbosa, seu velho amigo, que colocou a música. Dessa forma, um poema mais adequado ao estilo de Antônio Maria, amigo comum de Vinícius e de Aracy, terminou, surpreendentemente, nas mão de um sambista da cidade que o poetinha - numa escorregada retórica que o levou a se penitenciar por um bom tempo - chamaria de “túmulo do samba”.

Dando sequencia a série de casos curiosos sobre a música, surgiu a polêmica lançada pelo cantor Noite Ilustrada que afirmou ser ele o autor da melodia e que Adoniran não havia dado os créditos, fato que não conseguiu provar e que foi negado veementemente pelo autor de “Saudosa Maloca”.

Embora a música tenha tido uma grande repercussão, Vinícius pouco falou sobre seu poema, a maioria dos registros da história da extraordinária parceria foi feita por Adoniran. O mais famoso relato foi durante uma divertida entrevista dada a Elis Regina, em 1965, no famoso programa “O Fino da Bossa”, apresentado na TV Record, veja a transcrição de um trecho da conversa do sambista paulista.

"Elis: Como é que você se tornou parceiro de Vinicius de Moraes sem sequer conhecê-lo?
Adoniran: Fácil, é fácil, fácil. A Aracy de Almeida, que é muito amiga dele (ele estava em Paris nessa ocasião, na UNESCO) recebeu uma carta dele e dentro da carta veio assim essa letra, dois versinhos, e dizia embaixo “Aracy, faça o que você quiser com esses versos”.
Elis: Então a Aracy pegou e deu pra você.
Adoniran: Então eu tava pertinho dela, não é? E ela era ligação minha, não é? Ela disse “Ô, Adoniran, bota a música aí”.
Elis: Quer dizer que a letra é de Vinicius de Moraes e a melodia é que é sua.
Adoniran: A letra é de Vinicius e a musiquinha é minha.

Elis, por sinal, cantou a música na ocasião, utilizando recursos vocais bem diferente do seu estilo, mas parecido com o da sua desafeta, Maysa."

Em “Boa dia tristeza”, Vinícius, na sua genialidade, transforma o sentimento em uma espécie de ser animado, prosopopeia para transmutar a tristeza em uma amiga confidente a quem não via há um bom tempo. Para a “amiga”, quem sabe amargurado por uma das suas infelicidades momentâneas decorrentes de mais um dos vários rompimentos amorosos ou mesmo a procura de uma maior proximidade com a tristeza - talvez a maior das inspiradoras dos poetas – trava, entre uma e outra dose, um comovente dialogo. Nesse interessante reencontro, o poeta, ao final do verso, confessa suas amarguras, usando figuras de linguagens de rara beleza, recolocando a interlocutora em seu devido lugar – “Chorar de tristeza tristeza de amar”. Adoriran, por sua vez, parece ter entendido o sentimento do poetinha e, com rara felicidade, colocou uma música em ritmo melódico mais do que adequado ao tema - triste, melancólica, bem ao tradicional estilo dos sambas-canções de dor de cotovelo bastante populares à época.

Vá no You Tube, lá tem versões da música para todo gosto. Aqui, ouça a divertida entrevista de Adoniran dada a Elis Regina. Depois, a interpretação de Aracy de Almeida - por sinal a primeira gravação da música, realizada em 1957. Complemente a viagem poética ouvindo as versões de Maysa, em uma apresentação de 1959. Maria Bethânia, Cauby Peixoto também cantaram a música, o último acompanhado pelo inesquecível Dominguinhos, por fim, confira a interpretação do próprio Adoniran. É hora de se deliciar com a qualidade dos versos. Escolha a sua melhor versão.

Letra:

Bom Dia Tristeza

Bom dia tristeza
Que tarde tristeza
Você veio hoje me ver
Já estava ficando até meio triste
De estar tanto tempo longe de você

Se chegue tristeza
Se sente comigo
Aqui nessa mesa de bar
Beba do meu copo
Me dê o seu ombro
Que é para eu chorar
Chorar de tristeza
Tristeza de amar

Quem realmente compôs o samba “A Flor e o Espinho”?

Considero o samba “A Rosa e o Espinho” uma verdadeira obra prima. Seus versos, de rara beleza, se adequaram como uma luva à comovente melodia.  Oficialmente, a autoria da música é atribuída a três compositores, dois deles - Guilherme de Brito e Nelson Cavaquinho (foto à esquerda) - são dois grandes nomes da história do samba brasileiro. Muitos ficam surpresos quando descobrem  que o terceiro e desconhecido parceiro, um certo Alcides Caminha, é o famoso Carlos Zéfiro, pseudônimo do autor das famosas revistinhas eróticas, conhecidas como catecismos, que faziam a festa dos adolescentes e marmanjos entre as décadas de cinquenta e setenta.

Embora Alcides Caminha, sempre com convicção, afirmasse ser parceiro ativo na música. Nelson Cavaquinho, entretanto, em entrevista ao Programa Ensaio, realizado pela TV cultura em 1973 (aqui) , confessou que vendia parceria em muitas músicas e  que em “A Flor e o Espinho” não fora diferente - a música teria sido feita apenas por ele e Guilherme de Brito, fato confirmado por Guilherme em entrevista para o Site Samba- choro (aqui). Confira a declaração de Guilherme de Brito:

"[...]O Nelson vivia na miséria, então toda música dele tinha aqueles parceiros, aqueles caras que entravam na música e davam um dinheiro a ele. Mas essa música quando o Alcides Caminha se interessou o Nelson veio falar comigo, ‘O Alcides vai dar 3 contos de réis e vai ser metade pra mim, metade pra você’. Eu sempre fui contra isso, ele colocou parceiro em “Tatuagem”, em “Luto” [...] Ele era assim. Você pode ver que ele nunca gravou sozinho. E eu lutando pra ele parar com isso. Mas quanto ao Caminha, um dia a Rádio Globo chamou eu e o Nelson pra fazer um programa. Tinha um camarada que perguntava assim, ‘Vem cá, a quem é que você vendeu a música?’ E o Nelson, ‘Vendi pro Moreira da Silva, pro fulano de tal’ E aí o camarada perguntou pra mim, ‘E você, Guilherme, a quem que você vendeu a música?’ Eu digo, ‘Eu nunca vendi música pra ninguém. Mas a música minha e do Nelson que tiver mais alguém, esse cara pagou pra entrar’. Eu não quis acusar ninguém, mas não podia esconder a verdade. Então o Caminha escreveu pra Rádio Globo dizendo que a primeira era do Nelson e a segunda era dele. Aí eu tive que abrir o jogo. Ele entrou ainda em ‘Notícia’ e acho que em alguma outra. A verdade é que o Nelson tinha aquela freguesia dele. [..]."

Guilherme confessou, ainda, que os versos iniciais de “A flor e o espinho”, considerada por Sérgio Porto uma das mais belas imagens de nosso cancioneiro, foi feita por ele, cabendo a Nelson Cavaquinho a complementação da música.

Comento: Se existe polêmica quanto ao papel de Alcides Caminha (foto à esquerda)  na música, fato que, talvez, nunca saberemos com certeza, o mesmo não se pode dizer quanto a sua vertente de desenhista. Os "catecismos" eróticos de Carlos Zéfiro chegaram a ter tiragem superior a 30 mil exemplares. O desenhista sempre escondeu da sociedade a sua atividade paralela, receoso de ter problemas no emprego público – ele era servidor público do setor de Imigração do Ministério do Trabalho. Somente em 1991, um ano antes da sua morte, é que revelou sua verdadeira identidade, em uma reportagem de Juca Kfouri para a Revista Playboy. Alcides Aguiar Caminha nasceu no Rio de Janeiro , em 25 de dezembro de 1921 e faleceu na mesma cidade, em 5 de julho de 1992.

 

Ouça três belas interpretações de “A Flor e o Espinho”. Três grandes cantoras de três gerações diferentes, cantando um samba que jamais ficará velho. A competente Roberta Sá, a diva do samba Beth Carvalho e a Divina Elizeth Cardoso. Vai ser difícil, mas escolha a sua melhor versão.

A História do Hino da Independência. Uma Letra com duas melodias. Qual a melhor versão?

O Hino da Independência, que muitos pensam ser de autoria única do Imperador D. Pedro I, tem uma série de fatos interessantes na sua história.

A letra do Hino foi escrita pelo livreiro, jornalista, político e poeta Evaristo da Veiga (1799-1837), em 16 de agosto de 1822, portanto, antecede alguns dias ao Grito da Independência. Com o nome inicial de “Hino Constitucional Brasiliense”, os versos foram musicados pela primeira vez pelo maestro lusitano Marcos Portugal (1760-1830), mestre da Capela Real, que veio para o Brasil a convite do príncipe regente, tornando-se seu professor de música. Nosso primeiro Imperador, após a proclamação da Independência, resolveu também colocar uma melodia na obra de Evaristo da Veiga. Nascia ali, o que seria o nosso conhecido Hino da Independência.

Mesmo considerado um músico de renome internacional, com uma vasta obra respeitada em Portugal e no Brasil, Marcos Portugal não iria ser páreo para um imperador e sua versão foi sendo gradualmente esquecida. O mesmo não aconteceu com a melodia de D.Pedro. No rastro do poder do imperador, o Hino ficou bastante popular durante o período do primeiro império. Naquele tempo, embora de forma não oficial, chegou a ser utilizado como Hino Nacional. Dessa forma, muitos atribuíam a composição apenas ao imperador, fato que levou o autor da letra a reivindicar a sua legítima autoria. Os originais da obra se encontram hoje na seção de manuscritos da Biblioteca Nacional, no Rio de Janeiro.

Com a queda de D. Pedro, o Hino foi sendo esquecido. Somente em 1922, durante o centenário da independência, voltou a ser executado com mais frequência, mas, dessa vez, com a versão de Marcos Portugal. Coube ao Ministro da Educação e da Saúde, Gustavo Capanema, durante a ditadura Vargas, resgatar a versão do nosso Imperador, ao nomear uma comissão para estabelecer definitivamente os hinos brasileiros de acordo com seus originais. Ganhou a versão de D. Pedro I, considerada, por alguns especialistas, bem mais simples do que a do seu mestre. Uma curiosidade: dessa comissão, fazia parte o famoso maestro Villa-Lobos.

Evaristo Ferreira da Veiga e Barros, o autor da letra, foi um entusiasta defensor da causa da independência, nasceu no Rio de Janeiro, em 1799, onde também faleceu em 1837. Foi destacado jornalista, político, um dos principais líderes do Partido Liberal Moderado e também um dos proprietários do jornal Aurora Fluminense. Eleito deputado, em 1830, por Minas Gerais, curiosamente, participou ativamente do golpe de 7 de abril de 1931, que conduziu o Imperador Pedro I à abdicação. Com a criação da Academia Brasileira de Letras, foi escolhido por Rui Barbosa como patrono da cadeira de número 10.

O primeiro vídeo apresenta um documentário onde é resgatada a versão do Hino composta por Marcos Portugal (foto direita). Compare com a melodia do nosso Imperador, no segundo vídeo,  e decida: Qual a melhor versão?

Versão Marcos Portugal

Versão D. Pedro I

Como foi criada a música “Se é tarde me perdoa”.

“Se é tarde me perdoa “ é a segunda música, da série composta pelos parceiros Ronaldo Bôscoli  e Carlinhos Lyra (foto direita) – a primeira foi "Lobo Bobo". Ronaldo já havia escrito o poema e desafiou seu novo parceiro a fazer a música. Lyra nunca tinha composto melodia para letra pré-elaborada, mas aceitou o desafio. Nascia ali um samba-canção romântico que iria cair no gosto de grandes cantores da MPB. O samba, nas palavras do escritor Denilson Monteiro, autor de uma detalhada da biografia de Bôscoli, é uma verdadeira “Ode a Indulgência” de um aflito amante infiel.

Décadas depois, em 1991, durante um show em sua homenagem, um emocionado Ronaldo Bôscoli (foto esquerda), já com sinais do câncer que iria matá-lo em 1994, mas sem perder o seu característico humor sarcástico, declarou:

“A música mais parecida comigo é ‘Se é tarde me perdoa’, que fiz com Carlinhos Lyra, pois eu sempre cheguei mentindo, cheguei partindo, cheguei à toa”. É o meu autorretrato” .

Ouça as versões de João Gilberto, do autor da música Carlos Lyra, de Toquinho e um destaque para um vídeo dos anos sessenta, com uma apresentação de Sylvinha Telles, uma das musas daquele grupo de jovens fundadores do movimento Bossa Nova. Escolha “Qual a melhor Versão?”.

Fonte: Monteiro, Denilson (2011), A bossa do Lobo: Ronaldo Bôscoli, São paulo, Editora Leya.

João Gilberto

Carlinhos Lyra

Toquinho

Sylvia Telles


Letra:
Se é tarde me perdoa
Se é tarde me perdoa
Mas eu não sabia que você sabia
Que a vida é tão boa
Se é tarde, me perdoa
Eu cheguei mentindo
Eu cheguei partindo
Eu cheguei à-toa
Se é tarde, me perdoa
trago desencantos
De amores tantos pela madrugada
Se é tarde me perdoa
Vinha só cansado

A História da Música “Margarida” de Gutemberg Guarabira.

A música “Margarida”, composta pelo cantor e compositor baiano de Bom Jesus da Lapa Gutemberg Guarabira, foi criada a partir de uma brincadeira entre o autor e o também compositor Sidney Miller. 

Ambos se desafiaram a compor músicas com base em canções folclóricas, a exemplo do que fizera Dorival Caymmi com “Boi da cara Preta”. Sidney compôs “Marre de Cy”, Guarabira teve a felicidade de se lembrar de uma desilusão amorosa que teve quando tinha 16 anos e também do refrão de uma canção de roda francesa chamada "Seche tes Larmes, Marie” (Enxugue suas lágrimas, Maria).

Comento: a música foi consagrada ao obter o primeiro lugar na etapa nacional do II Festival Internacional da Canção, promovido pela Rede Globo, em 1967, suplantando favoritas que iriam entrar para história da MPB como: “Carolina” de Chico Buarque, que obteve o terceiro lugar, e o clássico “Travessia”, de Milton Nascimento, segunda colocada. Na fase internacional do Festival “Margarida” ficou com o terceiro lugar, o que rendeu furiosos protestos da torcida brasileira inconformada com o primeiro lugar da canção italiana “Per uma Dona”. 

O interessante é que Guarabira tentou convencer, sem sucesso, vários cantores para defender a música, dentre eles, Agnaldo Timóteo. Restou a alternativa de “reagrupar” o Grupo Manifesto, composto por amigos músicos dos tempos do bar do Careca, com destaque para Gracinha Leporace, futura esposa de Sérgio Mendes, escolhida a melhor intérprete da fase nacional, defendendo, no mesmo Festival, "Canção de esperar você" , do seu irmão Fernando Leporace. A escolha do  Manifesto veio a calhar - o grupo, já estava ensaiando a música para uma gravação de um disco pela Philips.

Guarabira, em uma entrevista a Júlio de Cesar Barros, teoriza para explicar a vitória da música:


"[...] até pode ser o caráter tranquilo e despojado da música a razão de ter vencido. Outro dia estive comum compositor concorrente no mesmo festival e brinquei que minha música só tinha vencido porque todas as outras eram tristes e a minha era a única aragem fresca da manhã em toda aquela noite de tempestades pela qual o Brasil passava na época. Além disso, hoje sei que o público interpretava em mim uma espécie de símbolo daquilo que os heróis populares geralmente representam. Eu era apenas um menino anônimo, 19 anos à época, chegado do sertão longínquo do rio São Francisco, sobrevivendo na cidade grande às custas de um emprego humilde de office-boy etc. Portanto, aquele apoio todo da população do Rio, milhares de pessoas enfeitadas de margarida fazendo um verdadeiro carnaval no Maracanãzinho e também por toda a cidade, onde a flor virou moda, tinha por trás uma força humana alheia à luta política que se desenrolava. Isso pegou todo mundo de surpresa. Inclusive eu, claro."

Embora vencedora, a música não obteve o sucesso comercial de “Carolina” e “Travessia’. Foi logo esquecida devido à falta de empenho da gravadora que, pega de surpresa com o resultado do Festival preferiu priorizar a divulgação de outros cantores e só lançou o disco do grupo Manifesto quatro meses depois do Festival. O fato provocou um desentendimento entre Guarabira e a gravadora que, posteriormente, levou a rescisão do seu contrato prejudicando, ainda mais, a carreira do cantor em plena fase pós-vitória. O cantor só viria a despontar, tempos depois, com a companhia de Sá e Zé Rodrix. 

Resumo da Opera: Margarida venceu, mas quem logo entrou para a História da MPB foi Milton Nascimento. Consagrou sua “Travessia” como uma das músicas mais admiradas da MPB e, de quebra, foi escolhido o melhor intérprete do Festival.

Ouça "Margarida" com o Grupo Manifesto e, no segundo vídeo, confira a bela regravação do Grupo Roupa Nova. Escolha sua versão.

Fonte

Mello,Zuza Homem de, A era dos festivais: uma parábola, Editora 34.
http://veja.abril.com.br/blog/passarela/entrevista/e-apareceu-o-guarabyra-3.

Grupo manifesto

Roupa Nova

Letra
Andei, terras do meu reino em vão
Por senhora que perdi
E por quem fui descobrir
Não me crer mais rei e aqui me encerrei
Sou cantor e cantarei
Que em procuras de amor morri, ai
Dor que no meu tempo dói
Que destróes assim de mim
Bem sei que eu achei enfim
E que adianto a dor
Mas me queimou
Pois por não saber de amor

Ela ainda rainha está
E ela está em seu castelo, olê, olê, olá
E ela está em seu castelo, olê, seus cavaleiros

Ora peçam que apareça
Pois por mais que eu ofereça
Mais que evita essa senhora
Eu já fui rei, já fui cantor

Vou ser guerreiro, um perfeito cavaleiro
Armadura, escudo, espada
Pra seguir na escalada,
Belo motivo, é por amor que vou lutando
E pelas pedras do castelo
Como eu já vou retirando
E retirando uma pedra, olê, olê,olá
Mais uma pedra não faz falta, olâ, seus cavaleiros
Que ainda correm pelo mundo
Ouçam só por segundo, eu acabo de vencer
Retirei pedras de orgulho, majestades,
Deixei todas de humildades, de amores sem reinado
Ela então se me rendeu
Eu já fui rei, já fui cantor, já fui guerreiro
E agora enfim sou companheiro
Da mulher que apareceu

E apareceu a Margarida, olê, olê, olá
E apareceu a Margarida, olê, seus cavaleiros
Fonte:

Noel Rosa. “Silêncio de um minuto”. Qual a Melhor Versão?

Em “Silêncio de um minuto”, composta em 1935, Noel Rosa, poeta do morro e da cidade, mostra uma das suas muitas vertentes na música: o lirismo. Na obra, o Poeta da Vila associa um amor desfeito ao luto e não economiza metáforas para “sepultar” uma história de amor até então cheio de glórias. 

A música foi gravada em 1940, por Marília Batista e contou com arranjo de Pixiguinha, em uma gravação pela Victor.   Marília teria recebido da mãe de Noel, quando ele faleceu, em 1937, um caderno com anotações, entre outros materiais. Ali estava, por exemplo, a letra de "Balão Apagado", que ela musicou nos anos 60. Talvez no caderno também estivesse esta versão resumida, de "Silêncio de um minuto". Explico: na verdade, não se sabe por qual motivo a cantora suprimiu algumas estrofes da música, perdendo imagens marcantes da obra, como "a pá do fingimento" e "a cal do esquecimento". A letra completa foi gravada por Aracy de Almeida em 1951 com arranjo de Radamés Gnattali.

Ouça “Silêncio de um minuto” nas vozes de três renomadas cantoras de três gerações distintas. Aracy de Almeida, Maria Bethânia, Roberta Sá. Escolha a melhor versão.   

Aracy de Almeida

Maria Bethânia

Roberta Sá

Letra

Não te vejo nem te escuto,
O meu samba está de luto.
Eu peço o silêncio de um minuto,
Homenagem à história
De um amor cheio de glória
Que me pesa na memória.

Nosso amor cheio de glória,
De prazer e de ilusão
Foi vencido e a vitória
Cabe à tua ingratidão.
Tu cavaste a minha dor
Com a pá do fingimento
E cobriste o nosso amor
Com a cal do esquecimento.
Teu silêncio absoluto
Me obrigou a confessar
Que o meu samba  está de luto,
Meu violão a soluçar
Luto preto é vaidade
Neste funeral de amor.
O meu luto é a saudade
E saudade não tem cor.

Fonte:

Bessa, Virginía de Almeida. A escuta Singular de Pixinguinha – História e música popular no Brasil de 1920 e 1930. São Paulo. Editora Alameda Casa Editorial ,2010.

http://www.brasileirinho.mus.br/arquivomistura/noelrosa.html

O Rio Antigo de Chico Anysio e Nonato Buzar.

Qual a Melhor Versão?

O Rio de Janeiro continua lindo, mas para o saudoso Chico Anysio e Nonato Buzar era bem melhor. A música Rio Antigo é um passeio pelas coisas boas do Rio de antigamente, uma bela viagem de reminiscências poéticas do humorista cearense e Nonato Buzar.

Ouça a música na voz de Chico cantando em dueto com o também inesquecível humorista Mussum. Cauby Peixoto, Maria Cleuza e Alcione parecem também concordar com a visão saudosista de Chico Anysio e gravaram sua versão da música. Confira nos vídeos abaixo e escolha “Qual é a melhor versão?”

Mussum e Chico Anysio

Cauby Peixoto

Maria Cleuza

Alcione

Rio Antigo (Letra)
Nonato Buzar/Chico Anysio
Quero um bate-papo na esquina
Eu quero o Rio antigo
Com crianças na calçada
Brincando sem perigo
Sem metrô e se frescão
O ontem no amanhã
Eu que pego o bonde 12 de Ipanema
Pra ver o Oscarito e o Grande Otelo no cinema
Domingo no Rian
Me deixa eu querer mais, mais paz
Quero um pregão de garrafeiro
Zizinho no gramado
Eu quero um samba sincopado
Baioba, bagageiro
E o desafinado que o Jobim sacou
Quero o programa de calouros
Com Ary Barroso
O Lamartine me ensinando
Um lá, lá, lá, lá, lá, gostoso
Quero o Café Nice
De onde o samba vem
Quero a Cinelândia estreando "E o Vento Levou"
Um velho samba do Ataulfo
Que ninguém jamais agravou
PRK 30 que valia 100
Como nos velhos tempos
Quero o carnaval com serpentinas
Eu quero a Copa Roca de Brasil e Argentina
Os Anjos do Inferno, 4 Ases e Um Coringa
Eu quero, eu quero porque é bom
É que pego no meu rádio uma novela
Depois eu vou à Lapa, faço um lanche no Capela
Mais tarde eu e ela, nos lados do Hotel Leblon
Quero um som de fossa da Dolores
Uma valsa do Orestes, zum-zum-zum dos Cafajestes
Um bife lá no Lamas
Cidade sem Aterro, como Deus criou
Quero o chá dançante lá no clube
Com Waldir Calmon
Trio de Ouro com a Dalva
Estrela Dalva do Brasil
Quero o Sérgio Porto
E o seu bom humor
Eu quero ver o show do Walter Pinto
Com mulheres mil
O Rio aceso em lampiões
E violões que quem não viu
Não pode entender
O que é paz e amor

Cordas de Aço - Cartola.

Qual a melhor versão?

Cordas de Aço, do genial Cartola, é uma daquelas músicas que, quem “é de violão”, se apaixona à primeira vista. É fato: o estilo intimista da canção cativa um grande número de cantores e cantoras - profissionais e amadores.A composição do mangueirense parece se contentar apenas  com o violão, sem reclamar apoio de outros instrumentos, justificando os argumentos da sua letra.

Ouça a bela obra na voz do seu criador e, na sequencia: Luiz Melodia, Saulo Fernandes - vocalista da banda Eva, Gal Costa e Beth Carvalho. Fica aqui o desafio: escolha a melhor versão.

cartola

Luiz Melodia


Saulo Fernandes


Gal Costa


Beth Carvalho

Letra.

Cordas de Aço

Cartola

Ah, essas cordas de aço
Este minúsculo braço
Do violão que os dedos meus acariciam
Ah, este bojo perfeito
Que trago junto ao meu peito
Só você violão
Compreende porque perdi toda alegria
E no entanto meu pinho
Pode crer, eu adivinho
Aquela mulher
Até hoje está nos esperando
Solte o teu som da madeira
Eu você e a companheira
Na madrugada iremos pra casa
Cantando...

Como foi criada a música Serra da Boa Esperança.

Curiosidades de Música Popular Brasileira.

“Serra da Boa Esperança”, clássico de Lamartine Babo gravado pela primeira vez em 1937, por Francisco Alves, tem uma hilária história na sua criação. Existem variações de versões para a gênese da música, entretanto, todas remetem a uma série de correspondências trocadas pelo compositor e um dentista-músico conhecido por Carlos Alves Netto que resolveu utilizar um nome de um mulher para conseguir fotografias autografadas. Uma dessas versões foi dada pelo principal protagonista do fato, o próprio Carlos Alves, ao Jornal o Globo, em 1980.

Ele contou que, em 1935, morava na cidade de Boa Esperança, em Minas gerais, onde fica localizada a serra homônima. Apaixonado por música, e também por ser músico, colecionava fotografias autografadas de artistas famosos da época. Como desejava incluir Lamartine Babo na sua coleção, solicitou uma fotografia ao compositor por meio de um carta utilizando seu próprio nome. Não obteve sucesso. Resolveu, então, colocar como remetente o nome de sua sobrinha Nair Pimenta de Oliveira, à época com apenas 10 anos. As correspondências, segundo o dentista, ganharam desenvoltura e passaram  a fluir “em versos, prosas, em sonetos bem compostos e paixão nas entrelinhas”. Entretanto, mesmo com várias cartas trocadas, “Nair” só conseguiu algumas fotografias 3x4. Resignado, o dentista resolveu acabar a farsa. Escreveu nova correspondência, ainda com o nome falso. informando que iria se casar e mudar-se para São Paulo. Encerrando definitivamente as correspondências da falsa “Nair”.

Um ano depois, em 1936, desta vez utilizando o próprio nome, Carlos voltou a escrever para Lalá convidando-o para o baile de estreia da orquestra que o dentista-músico ajudara a criar e se tornara maestro. Era a oportunidade que Lamartine queria para conhecer “Nair”... Não demorou muito, no dia 24 de julho do mesmo ano, o compositor chegou à cidade e se hospedou no hotel do pai de Carlos, onde também morava toda a família do anfitrião. Lalá sabia que o local era o endereço de correspondência da “admiradora”, mas, estranhamente, a única Nair que via era uma criança. O artifício do dentista só foi descoberto após uma inconfidência de uma das moradoras que resolveu colocar a história em pratos limpos. Apesar de inicialmente constrangido, a decepção de Lalá não durou muito tempo. A agradável e solidária companhia de um grupo de 20 jovens, rapazes e moças, que o compositor chamaria depois de “Minhas 20 saudades Dorenses” - a cidade à época se chamava Dores de Boa Esperança - amainaram seu desencanto.

“Nós os poetas erramos / Porque rimamos também / Os nossos olhos nos olhos / De alguém que não vem”

Foram doze dias de estadia na pequena cidade que ficariam inesquecíveis para o compositor e aguçaram sua conhecida capacidade criativa. No dia 3 de agosto, olhando para a serra que originou o nome da cidade, batendo em uma caixa de fósforo, começou a solfejar e a escrever os primeiros versos de “Serra da Boa Esperança”, que logo foram transferidos para partitura pelo agora amigo Carlos Netto. Conta dona Carmem Cunha, uma das “vinte dorenses”, que em um piquenique de despedida, Lamartine cantou a música, acompanhado dos amigos, várias vezes e que todos já sabiam a letra de cor.

Comento: Lamartine voltaria à cidade mais uma vez, no carnaval de 1937, nesse período compôs a segunda parte de outro grande sucesso, a música “Vaca Amarela”, cuja primeira parte já havia sido feita justamente por Carlos Netto. A música foi gravada por Araci de Almeida.Lamartine só se casaria, anos depois,em 1951, aos 47 anos, com Maria José Barroso.

Ouça cinco versões de “Serra da Boa Esperança”, interpretada por grandes nomes da música brasileira. Escolha a sua preferida.

Francisco Alves

Gal Costa

Cascatinha e Ianhana

Sílvio Caldas

Altemar Dutra